Morbidi drappeggi e muscoli tesi. Lame, frutti e odore d’incenso.

Attori come attrezzisti, scenografi e modelli del pittore.

Piume e pesi in sospensione.

Il silenzio sacrale profanato dal ritmo della costruzione.

Le tele si compongono sotto l’occhio dello spettatore coinvolto in un’esperienza mistica e sensoriale.

Caravaggio si sente, si assapora, si tocca, si respira, si vede.

Arrivare alla costruzione del quadro non è il fine, ciò che viene ricercata è una modalità di lavoro in cui il orpo è semplice strumento, come un mezzo alla pari di una stoffa o di un cesto. Il singolo attore in scena compie azioni sonore, azioni inserite in una partitura musicale in cui ogni gesto è in funzione di una

meccanica, di un ingranaggio in cui ciò che viene eseguito è strettamente necessario.

Nulla è lasciato al caso così come nulla è superfluo. La dinamica della costruzione trova il suo equilibri nella sospensione musicale di uno stop, nel fermo immagine di un’azione in divenire che costringe il corpo a una tensione muscolare viva e pulsante.

In questa ricerca Caravaggio è stato per Teatri35 come un incontro provvidenziale e un veicolo di recupero della teatralità perché ha permesso di trasformare il laboratorio in un atto scenico in cui il corpo, colto nella sua intrinseca condizione di imperfezione, si mostra attraverso il pudico gioco tra luce e ombra di conseguenza svela senza mostrare e rimanda senza ostentare.

Richard Galliano, fisarmonicista, bandoneonista, compositore, musicista poliedrico, instancabile lavoratore sempre alla ricerca di nuove ispirazioni, riscrive instancabilmente la storia della fisarmonica e non cesserà di abbellire il repertorio degli autori fino a quando, in occasione del suo incontro decisivo con Astor Piazzolla, maestro indiscusso di “Tango Nuevo”, scoprirà in sé l’urgente necessità di affermare la sua vera identità. 

Appassionato di repertorio classico sin dalla giovane età, alla costante ricerca di armonia e musicalità, esplora, interpreta e adatta felicemente le opere di Vivaldi, Mozart, Bach e persino di Nino Rota.

Passion Galliano è un percorso musicale attraverso 50 anni di carriera, un recital che accoglie tutte le sue passioni per le opere di Debussy, Satie, Chopin, Granados, Legrand, Piazzolla e, naturalmente anche le sue composizioni.

Wolfgang Amadeus Mozart

da Le Nozze di Figaro Ouverture

Giuseppe Verdi

da La forza del destino Sinfonia

Pietro Mascagni

da Cavalleria Rusticana Preludio, Aria e Intermezzo

George Bizet

Carmen suite

Giuseppe Verdi

da Vespri Siciliani Sinfonia

Johannes Brahms

Danza ungherese n. 5

Giuseppe Verdi

da Nabucco Sinfonia

Dmitrij Šostakovič

da Suite per orchestra di varietà Valzer n.2

Henghel Gualdi

America

Hugo Blanco

Moliendo Cafè

Johann Strauss padre

Marcia di Radetsky

Il concerto nasce dall’incontro tra tradizione popolare, ricerca etnomusicale e sperimentazione contemporanea, offrendo al pubblico un’esperienza artistica profondamente legata alle radici culturali della Calabria greca. Attraverso brani originali e composizioni in lingua greco-calabra, greca ed ebraica, lo spettacolo restituisce la ricchezza storica e linguistica dell’area della Bovesia e delle culture che nei secoli ne hanno segnato l’identità.

Protagonista del progetto è Aldo Gurnari, cantante, compositore e polistrumentista diplomato in canto lirico presso il Conservatorio “F. Cilea” di Reggio Calabria. La sua formazione unisce studi classici, ricerca musicale e sperimentazione sonora, attraverso l’utilizzo di strumenti tradizionali come la lira greca, il bouzouki e le percussioni mediterranee, inseriti in una scrittura musicale dal linguaggio contemporaneo.

L’attività artistica di Gurnari si sviluppa da anni nella valorizzazione delle minoranze etno-linguistiche e delle culture del Mediterraneo, con un percorso che lo ha portato a fondare la Corale Polifonica “Don Ruggero Coin” e il gruppo etno-musicale “Musicofilia”, con il quale ha realizzato produzioni discografiche e numerosi concerti in Italia e all’estero.

Ludwig van Beethoven

Trio in Si bemolle maggiore op. 11 per clarinetto, violoncello e pianoforte

Trio in Mi bemolle maggiore op. 38 (trascrizione del Settimino op. 20)

Il Genio Raccontato: Beethoven e Goethe – Rapporto epistolare fra due geni è un incontro fra due personalità straordinarie che hanno cambiato il volto della cultura europea. Da una parte Ludwig van Beethoven, il compositore che ha trasformato il linguaggio della musica; dall’altra Johann Wolfgang von Goethe, il poeta che ha saputo interpretare come pochi lo spirito del suo tempo. Due geni accomunati da un’immensa statura intellettuale, ma profondamente diversi nel carattere, nel modo di intendere l’arte e nel rapporto con il potere.

Lo spettacolo costruisce un dialogo vivo tra musica e parola, alternando l’esecuzione di pagine cameristiche di Beethoven a letture sceniche tratte dal carteggio con Goethe. Le lettere, autentiche testimonianze di un confronto intenso e talvolta sorprendente, permettono di cogliere la nascita di un rapporto fatto di entusiasmo, reciproca stima, incomprensioni e profonde divergenze.

Il celebre incontro di Teplitz nel 1812 rappresenta uno dei momenti più emblematici della loro relazione: un episodio entrato nella storia della cultura come simbolo del confronto fra due modi diversi di concepire il ruolo dell’artista nella società. Beethoven, fiero della propria indipendenza e convinto che il genio creativo non dovesse piegarsi alle convenzioni; Goethe, più incline alla mediazione e al dialogo con le istituzioni del suo tempo. Due visioni differenti che non impedirono un reciproco riconoscimento della grandezza dell’altro.

Le letture si inseriscono tra i movimenti musicali, creando un racconto continuo nel quale le parole illuminano il contesto umano e intellettuale delle composizioni, mentre la musica restituisce voce, emozione e profondità ai pensieri affidati alle lettere. Ne nasce uno spettacolo che non è soltanto un concerto con testi, ma un intreccio di linguaggi capace di restituire tutta la complessità di un dialogo tra due protagonisti assoluti della modernità, creando un percorso narrativo continuo che accompagnerà il pubblico nella scoperta del rapporto umano, artistico e intellettuale tra i due grandi protagonisti della cultura europea.

Louis Spohr

Sechs Deutsche Lieder (Sei canti tedeschi) op.103 per soprano, clarinetto e pianoforte

Franz Schubert

Der hirt auf dem felsen op. 129 per soprano, clarinetto e pianoforte

Vincenzo Bellini

Arie da camera

Arrangiamento: Valter Sivilotti

Suite d’opera italiana per soprano, clarinetto e pianoforte

Giuseppe Verdi

Da Un ballo in maschera “Saper vorreste”

Da La traviata “È strano”

Giacomo Puccini

Da La bohème “Quando men vò” Il valzer di Musetta

Giuseppe Verdi

Da I Vespri Siciliani “Mercè dilette amiche”

Anche per questa stagione l’acclamato Harlem Gospel Choir si prepara a conquistare il pubblico italiano con un nuovo live show intitolato “Remembering Whitney & Tina“, uno spettacolo intenso e travolgente costruito attorno all’eredità artistica di due figure leggendarie della musica afroamericana, Whitney Houston e Tina Turner, che vedrà la prima esecuzione alla Sony Hall di New York il 15 giugno p.v.

Una formazione che porta da sempre nel mondo un messaggio di unità: Harlem Gospel Choir, considerato il coro più celebre d’America, da anni attraversa i continenti diffondendo un messaggio di amore, condivisione e speranza. Le voci raggiungono le profondità dell’animo, risollevano lo spirito e riscaldano i cuori, trasformando ogni brano in una vera esplosione di gioia, libertà e fede. La cifra stilistica del coro è presentare l’autentica esecuzione musicale delle chiese di Harlem senza cedere alla tentazione di introdurre effetti non coerenti con la filologia della tradizione afroamericana.

Whitney e Tina: la nuova produzione live celebra due interpreti che, proprio come il coro, affondano le proprie origini nella tradizione gospel e nel canto sacro delle congregazioni afroamericane. Venuta al mondo a Newark, nel New Jersey, nel 1963, Whitney Houston era figlia della cantante gospel Cissy Houston e cugina di Dionne Warwick. Mosse i primi passi pubblici alla New Hope Baptist Church, entrando nel coro gospel dei più giovani, e proprio lì tenne il suo debutto da solista quando aveva undici anni. Da quelle radici sarebbe poi sbocciata una delle interpreti più memorabili del pop e del soul.

Originaria di Brownsville, nel Tennessee, dove nacque nel 1939 con il nome di Anna Mae Bullock, Tina Turner crebbe invece nella piccola comunità rurale di Nutbush. Già a nove anni prestava la propria voce al coro della Spring Hill Baptist Church, primo passo di un percorso che l’avrebbe condotta a diventare l’icona universalmente riconosciuta. La sua storia resta un emblema di rinascita e tenacia capace di parlare a generazioni e culture diverse.

Più di un concerto, una celebrazione: l’Harlem Gospel Choir offre uno spettacolo che va ben oltre la dimensione del semplice evento musicale e si impegna a diventare un omaggio all’anima, alla memoria e al suono di brani senza tempo. Il repertorio delle due artiste si fonde con la potenza vocale e l’energia trascinante che da sempre rendono inconfondibile l’Harlem Gospel Choir. Sul palco, le voci si fonderanno e daranno nuova vita al lascito di chi, partendo dal canto liturgico nelle chiese, ha saputo elevare la musica nera a linguaggio universale. Il concerto sarà l’occasione per cantare insieme a loro e battere piedi e mani.

“What the world needs now is love, sweet love…” cantava Burt Bacharach. È proprio questo il messaggio che il New York City Gospel Choir porta sul palco con Seasons of Love: uno spettacolo che celebra l’amore, la speranza e la gioia attraverso la potenza travolgente della musica.

Il concerto nasce dall’incontro tra la straordinaria energia della musica gospel classica, la profondità del soul e la magia senza tempo delle più amate canzoni natalizie. Un repertorio ricco e coinvolgente, in cui grandi melodie e voci potenti si intrecciano per raccontare la fede, la gratitudine, la rinascita e il valore dei legami che uniscono le persone.Fondato dai migliori talenti vocali di New York e diretto da Mark Anthony Henry, noto per essere stato il direttore musicale della leggendaria Cissy Houston, il New York City Gospel Choir è un punto di riferimento per la musica gospel contemporanea. I suoi membri hanno collaborato e registrato con autentiche leggende della musica internazionale, tra cui Stevie Wonder, Whitney Houston, Aretha Franklin e Michael Jackson. Le loro carriere li hanno portati a esibirsi in alcuni dei più prestigiosi contesti americani e internazionali, dagli eventi dei New York Knicks e dei New York Rangers al Madison Square Garden, dal Jacob Javits Center al MET Gala, passando per Vogue, i CLEO Awards, festival e concerti in tutto il mondo.

Robert Schumann

Etudes symphoniques per pianoforte, op. 13 su un tema di Ignaz Ferdinand von Fricken

Gabriel Fauré

Thème et variations in do diesis minore per pianoforte op.73

George Gershwin

Rhapsody in Blue (versione per pianoforte solo)

Felix Mendelssohn-Bartholdy

Romanza senza parole op. 109

Ludwig van Beethoven

Sonata per violoncello e pianoforte n. 3 in la maggiore, op. 69

Richard Wagner

“Oh tu bell’astro” Aria da Tannhauser

Mariano Paternoster

Due danze Illiriche

Vito Paternoster

Tema e manipolazioni

“Giannino Stoppani Suite” omaggio a Nino Rota

Wolfgang Amadeus Mozart

Quartetto per archi n. 16 in mi bemolle maggiore K 428

Dmitrij Šostakovič

Quartetto per archi n. 7 in fa diesis minore, op. 108

Ludwig van Beethoven

Quartetto per archi n. 10 in mi bemolle maggiore, op. 74 “delle arpe”

Niccolò Paganini

Quartetto n. 1 in la minore (MS 28) op. 4

Quartetto n. 2 in do maggiore (MS 29) op. 4

Quartetto n. 3 in la maggiore (MS 30) op. 4

Piergiorgio Odifreddi, matematico e divulgatore tra i più noti in Italia, incontra due protagonisti della scena musicale internazionale, Massimo Mercelli, flautista di straordinaria versatilità, e Ramin Bahrami, pianista tra i più autorevoli interpreti di Johann Sebastian Bach. Da questo incontro nasce un originale dialogo tra matematica e musica, pensiero e interpretazione, nel segno di uno dei massimi compositori di ogni tempo.

Al centro del progetto è Johann Sebastian Bach, la cui musica diventa terreno d’incontro tra la razionalità delle strutture matematiche e la libertà dell’espressione artistica. Attraverso le parole di Odifreddi e l’esecuzione di Mercelli e Bahrami, il pubblico sarà accompagnato alla scoperta di quell’“architettura dell’invisibile” che sostiene la scrittura bachiana: proporzioni, simmetrie, trasformazioni e rigorose relazioni tra le parti, capaci di trasformare il pensiero in suono. Un concerto-racconto in cui la competenza scientifica di Odifreddi dialoga con la sensibilità interpretativa di Bahrami e Mercelli, offrendo una prospettiva sorprendente e accessibile sulla musica di Bach: non soltanto da ascoltare, ma anche da osservare con gli occhi della matematica.